Биография и творчество

Родился Жан-Поль Готье в пригороде Парижа 24 апреля 1952 года. Мир моды его привлекал с самого раннего возраста. Еще ребенком он мог часами напролет листать журналы, при этом внимательно вглядываясь в каждую картинку и стараясь запомнить ее. Мальчика воспитывала бабушка, которая разрешала ему смотреть телевизор целыми днями. В увиденном  маленький Готье черпал свое первое дизайнерское вдохновение, которое выливалось в стильные костюмчики для плюшевого медвежонка.  Игрушечную модель ребенок одевал то в космический скафандр, то в платье невесты. Когда Готье станет дизайнером, он по-прежнему будет искать вдохновения в визуальных образах: телевидении, живописи, кино и просто в обликах случайных прохожих.
Сначала Жан-Поль всерьез  решил стать парикмахером. Но, когда ему было 18 лет, послал свои эскизы знаменитому Пьеру Кардену (Pierre Cardin). Дизайнеру очень понравились работы новичка, и он предложил юноше место своего ассистента. Это было в 1970 году. Всего через год он стал помощником Мишеля Гома (Michel Goma) в Доме «Жан Пату», затем ушел к Анжело Тарлацци (Angelo Tarlazzi).

1974-1975 гг. – Готье занимается разработкой коллекций «PIERRE CARDIN» для рынка США.

1976 год – Жан-Поль открывает свою фирму по созданию одежды. Его партнерами становятся два школьных друга. Франсис Менюж (Fransis Menuge) был назначен директором компании, он занимал эту должность до 1990 года, в этом году он умер от СПИДа. Вторым компаньоном был Дональд Потар (Donald Potar). Он возглавил бизнес после смерти друга.

У начинающих предпринимателей в то время почти не было денег. Первую коллекцию они создали из «подручных материалов». Ее составляли, например, маленькие платья из салфеток или бижутерия из чайных ситечек и батареек. С этой коллекции начал складываться фирменный стиль Готье, основанный на смешении жанров и смелых экспериментах с материалами. Он и в последующем своем творчестве нередко будет заниматься трансформацией привычных вещей. Во время демонстрации первой коллекции зал был почти пустым. Оказалось, что в то же самое время проходил показ какого-то известного дизайнера, который собрал всю парижскую публику.

С тех пор Готье решил больше никогда не оставаться незамеченным. И это ему великолепно удавалось. Он стремился, во что бы то ни стало, эпатировать публику. Готье для своих показов выбирал самые неожиданные места, например, боксерский ринг или музей старинных каруселей, бывшее здание тюрьмы или трамвайное депо. Модели у него тоже бывали разные: карлики, старики или толстухи.
«Я стремлюсь избежать склеротического клише, стереотипного поведения профессиональных манекенщиц. Мои модели не развлекают зрителей, а показывают одежду, которую может носить всякий», – говорил дизайнер.

И действительно на подиуме появлялись самые обычные женщины – невысокие, некрасивые, немолодые.

1978 год – Готье начинает сотрудничать с японской компанией «Кашияма», которая согласилась спонсировать его работу.
Публика заметила нового дизайнера после коллекции «Джеймс Бонд» 1980 года. Создание ее было заказано японскими спонсорами. Кожаные шорты и мини-юбки, которые доминировали в ней, были восприняты как пародия на 60-е годы.

В следующем году увидела свет коллекция «Хай-тек», которая принесла своему создателю статус «хулигана моды». Здесь была представлена одежда в «мусорном» стиле. Помойные ведра, консервные банки – вот главные элементы декора. Из электронных плат и упаковок кошачьего корма получились прекрасные браслеты. Так Готье открыл в моде тему повторного использования отходов. Эта идея совсем скоро захватит всю Европу, озабоченную проблемами экологии.

1993 год – Жан-Поль  выпустил первый аромат своего бренда. Идею флакона он позаимствовал у Эльзы Скиапарелли. Правда, стеклянный женский торс, принадлежащий певице Мадонне (Madonna), в варианте Готье находился в консервной банке.

1983 год – увидела свет сенсационная коллекция, которая имела громкое название «Дадаизм». Она еще больше упрочила славу Готье как дизайнера авангарда. Жан-Поль и в дальнейшей работе, уже  после этой коллекции, продолжал возвращаться к традициям искусства начала ХХ века. Они сделались творческим кредо дизайнера. Именно здесь зародился его фирменный «корсетный стиль». Крой платья соответствовал крою корсета с косточками и чашечками. В  глазах людей того времени эта одежда выглядела слишком вульгарно.

В 1984-1985 гг. тема корсетов была продолжена и гиперболизирована. Это нашло отражение в коллекции «Бороды» или «Культурный шок». Действительно, испытать шок там было от чего. Огромные шиньоны и рога на груди представлены были просто в изобилии. Готье таким образом пытался разрушить стереотипы и расширить рамки привычной действительности. Он постоянно находился в поиске новых образов. Критики его стиля обвиняли дизайнера в том, что он намеренно уродует женщину.

В том же 1984 году Жан-Поль Готье снова эпатирует публику, на этот раз уже мужской коллекцией «Мужчина-объект». По подиуму ходили манекенщики, одетые в тельняшки и юбки.

Модельеру принадлежит огромное количество неожиданных дизайнерских изобретений, таких как корсеты для мужчин, пиджаки с открытой спиной и многое другое. Готье – истинный приверженец постмодернизма, в своем творчестве он стремился стереть границы между мужчиной и женщиной. Эта идея заключалась даже в названии его коллекций: «И Бог сотворил мужчину», «Гардероб для двоих», «История мужчины», «Французский жиголо», «Нескромное обаяние буржуазии» и «Милый монсеньор». Последняя была намеком на коллекцию известного Кутюрье 50-х Пьера Бальмана (Pierre Balmain), называлась она «Милая мадам».

В 1986 году Готье решил обыграть образ проститутки  в своей новой коллекции «Куклы». Девушки-модели тогда появились на подиуме в атласном белье черного цвета и чулках.

1986 год – в Советском Союзе начиналась Перестройка, которая принесла в мир моды увлечение русскими мотивами и советской символикой. Жан-Поль Готье не остается в стороне, и создает свою «Русскую коллекцию», модели которой украшены надписями на кириллице.

Коллекция «Консьержка» 1988 года стала предвестником моды 90-х с ее тенденцией к модному оксюморону, дизайнер сочетал самые, казалось бы, несочетаемые элементы.

К концу 80-х Жан-Поль Готье стал признанным лидером всей французской моды. Мадонна, обладавшая невероятным чутьем на новые веяния, в 1987 году встречается с дизайнером в Париже. Готье начинает разрабатывать все сценические костюмы певицы. Благодаря этому союзу французский модельер вскоре приобрел мировую славу.

1990 год – для мирового турне Мадонны, которое называлось «Белокурое честолюбие», дизайнер создает золотые кожаные корсеты, мужские костюмы с бюстом и матросские расклешенные брюки.
С 1989 года Жан-Поль Готье начинает проектировать костюмы для кинематографа. Первым проектом для него стал фильм Питера Гринуэя (Peter Greenaway) «Повар, вор, его жена и ее любовник». За ним последовала картина испанского режиссера Педро Альмодовара (Pedro Almodóvar) «Кика». В 1997 году Готье создал одежду для фильма «Пятый элемент» Люка Бессона (Luc Besson).

Первая молодежная коллекция бренда «Юниор Готье» вышла в 1988 году. А первая коллекция из денима – в 1992-ом.

Начало 90-х было отмечено особым буйством гротеска в коллекциях Готье. Он в пародийном ключе обыграл ковбойский стиль, создал головные уборы в виде кухонной утвари и музыкальных инструментов.  Жан-Поль изобрел прозрачные комбинезоны-боди, и выпустил на подиум женщин-инопланетян с бритыми головами и в туфлях на огромной платформе.

Большое внимание модельер всегда уделял и своему собственному имиджу. Это был еще один инструмент привлечения внимания. Его легко можно было узнать по осветленным волосам, тельняшке и сапогам.  В тельняшке ходил не только он сам, в нее был «одет» мужской парфюм и многие коллекции «от кутюр» повторяли этот мотив.

Жан-Поль Готье в 90-е годы стал настоящей поп-звездой. Он был ведущим на телевидении, записывал диски и увлекался фотографией.

С 1993 года начинается увлечение дизайнера этнической тематикой. Коллекция «Рабби-шик» была навеяна образами хасидских раввинов, которых он случайно увидел на улицах Нью-Йорка. Так в его арсенале появились темные одежды до пола, рубашки навыпуск, жилеты и маленькие шапочки. Коллекция 1994 года «Тату» оказала огромное влияние на молодежную моду последнего десятилетия века, а за ее основу были взяты костюмы Африки и Юго-Восточной Азии. На одежде появились рисунки в виде татуировок, напоминающих денежные купюры и мотивы граффити. Безумно популярными в 90-е были серебряные украшения в этническом стиле и пирсинг – эти идеи также принадлежали Готье.

Коллекция «Монголы» 1994-1995 годов продолжила тему этнического костюма. В 1995 году вышла коллекция «Конец века», в которой Готье обратился к одежде уходящего столетия.

1997 год – Жан-Поль Готье начинает разрабатывать полноценные коллекции «от кутюр». Хотя раньше он отрицательно высказывался по поводу высокой моды, и заявлял, что она его не интересует. На его взгляд, это была мода, «пропахшая нафталином». Однако выходит его коллекция «Готье-Париж». Это была мужская и женская одежда, которая необычайно талантливо пародировала традиции высокой моды.

В 1999 году компания Готье продает 35 % своих акций фирме «Hermès». Это дает модельеру материальную основу для последующего расширения своего бизнеса.

В 2000-е годы Жан-Поль Готье вошел уже не бунтарем, а классиком французской моды. Дизайнер говорил, что главное в одежде для него – это соответствие времени и демократизм. Обе черты были свойственны всем творениям Готье: от джинсов до вечерних платьев.

Сегодня к оригинальности идей гения моды прибавились опыт и знания мастера. Его изделия отличаются идеальным кроем и виртуозным обращением с материалами.

Жана-Поля Готье часто называли «самым гениальным дизайнером конца ХХ века». Его творчество идеально соответствовало эпохе постмодерна. Окружающая действительность словно перемешана в его моделях в какой-то невообразимый коктейль стиля.

1 июля 2010 года французский дизайнер был назван президентом собственного модного Дома и компании Jean Paul Gaultier S.A. Он сменил на этом посту Вероник Готье и полностью взял на себя ответственность по созданию текущих коллекций и менеджмента.

Готье продолжает устраивать эпатажные шоу в самых непривычных местах. В 2010 году российским прицелом Готье стал Казанский вокзал, старейший в Москве. По красной ковровой дорожке прошлись модели в лучших кутюрных нарядах дизайнера за последние 5 лет. Окруженный столичной богемой, Жан-Поль исполнил свое старое желание прокатиться по московскому метро в ночь празднования 75-летия московской подземки.

В июне 2010 году Жан-Поль Готье делал ремонт в квартире Elle Decoration в парижском в музее архитектуры. Событием стало создание коллекции мебели дизайнера совместно с компанией Roche Bobois.

Коллаборация с маркой La Perla в ноябре 2010 года охарактеризовалась созданием лимитированной коллекции нижнего белья. Жемчужные конусообразные бра, классические корсеты стали элементом верхней одежды. Атласные бюстгальтеры и кружевные подвязки разошлись по магазинам La Perla и некоторым бутикам Jean Paul Gaultier.
Официальный сайт: wwwjeanpaulgaultier.com

Родился 2 марта 1938 года в городе Иваново. Отец – Зайцев Михаил Яковлевич. Мать – Зайцева Мария Ивановна. Супруга – Зайцева Марина Владимировна. Сын – Зайцев Егор Вячеславович.
Имя Вячеслава Зайцева почти 40 лет связано с миром моды. Оно не просто популярно – ему принадлежит свое собственное место художника и творческой личности. Все эти годы Зайцев лидирует в отечественной моде – не только как один из первопроходцев в этой области, не имевшей в нашей стране, в отличие от Запада, своей индустрии и долго не воспринимавшей самого понятия – дизайна моды, но главным образом по мощи таланта и весомости творческого вклада.
Детство будущего художника протекало в годы войны, в типичных для того времени условиях. Отец был призван в армию, и все тяготы жизни выпали на долю матери – простой и трудолюбивой женщины. Мария Ивановна в молодые годы мечтала о сцене и была человеком одаренным, чутким и восприимчивым. Именно поэтому она оказала очень большое влияние на сына, пробудив в нем с детских лет интерес к окружающему миру, красоте природы, чтению и народной песне.
В 1945 году Слава Зайцев поступил в ивановскую среднюю школу № 22, а в 1952 году после ее окончания начал учебу в Ивановском химико-технологическом техникуме, который окончил с отличием в 1956 году по специальности художник текстильного рисунка. Выбор профессии, как и у большинства молодых людей, родившихся в столице русского ситцевого края, был скорее данью традиции – полученная профессия гарантировала обеспеченность работой на производстве.
Вячеслав любил рисовать с детства, а в техникуме проявил не только свой несомненный талант, но и усердие. Очень требовательные педагоги старой школы текстильного рисунка ставили перед учащимися нелегкие задачи. Добиваясь большей выразительности линии и наполненности рисунка, они хотели, чтобы растительный орнамент «оживал» в изображенных плодах, бутонах, листьях и расцветших цветах. Постоянное соприкосновение с природой в лесу и соседских садах было по душе студенту, который многого добился, сверяя в местном краеведческом музее свое умение с непревзойденными образцами ивановских мастеров набойки и ткацкого промышленного рисунка. Выполняя учебные задания, Зайцев не раз задавался вопросом, как могли бы выглядеть ткани с его рисунками в готовых изделиях.
Пытливый по натуре, он всматривался в жизнь, делая вывод, что красивая одежда придает людям уверенность и вселяет хорошее настроение. В послевоенное время в Иванове многие женщины, в большинстве своем одинокие ткачихи и солдатские вдовы, исходя из своих скудных возможностей, шили себе к праздникам нарядные платья. Именно желание дарить людям красоту и радость через модную одежду вызревало в Зайцеве как поиск будущей профессии. Узнав, что этому учат в Московском текстильном институте, он поставил перед собой цель непременно поступить туда.
Приехав в Москву в 1956 году, будущий известный художник мало походил на столичных абитуриентов – он отличался от них своими представлениями о жизни, людях и искусстве. Зайцев сразу же был принят на отделение моделирования одежды факультета прикладного искусства, обратив на себя внимание редкой одаренностью. У матери не было средств, чтобы помочь сыну в годы учебы, – отец в конце войны попал в плен и вернулся домой только через
17 лет после мобилизации в армию, отбыв срок в лагере и на поселении. Зная, что рассчитывать можно только на себя, Вячеслав все годы совмещал учебу с работой. Он прекрасно понимал, что ему предстоит многое преодолеть, чтобы добиться успеха и не терял зря времени, жадно впитывая впечатления и знания – посещал музеи, выставки, театры.
Совершенствование в рисунке было одной из важных задач. К тому времени студент Зайцев не только овладел прикладным текстильным рисунком, проявляя виртуозность каллиграфа, но еще и освоил рисунок как основу графического искусства. Параллельно с этим он копировал старых русских и западных мастеров, античность и египетские фрески, персидскую миниатюру, средневековые орнаменты. Все, что осваивал Вячеслав, прикасаясь к тайнам искусства и накапливая в себе опыт, он впоследствии использовал в работе над своими первыми моделями. Уже в годы учебы в институте Зайцев проявлял большую смелость, выступая одновременно в роли модельера и демонстратора одежды, показывал и носил вещи, непривычные по силуэту и сочетанию цветов, нередко шокируя преподавателей и студентов. Как оказалось, позже аналогичный стиль стал входить в моду.
Самое пристальное внимание Вячеслав Зайцев уделял русскому народному искусству. Он совершил поездку на Русский Север – в древние города. В огромном богатстве народной мудрости и красоте его привлекла не поверхностная этнографичность и возможность интонирования под русский стиль, а сама суть искусства, заключенная в устоявшемся в веках пластическом языке. Это – пропорция, ритм, сочетание излюбленных цветов, мажорность колористического строя и глубокая человечность.
В 1950-х годах не только студенты, но и дипломированные художники имели крайне узкое представление о мировой моде, лишенные доступа к необходимой информации. Единственным источником знаний в этой области были зарубежные журналы. Получая их во время занятий в Театральной библиотеке, Зайцев познакомился с великими мастерами моды. Его невероятно захватило творчество Поля Пуаре, Габриели Шанель и Кристиана Диора, которых он считал выдающимися скульпторами ткани, сумевшими выразить свою эпоху. Тяготение Вячеслава к высокой моде («от кутюр») полностью соответствовало природе его дарования и внутреннему складу – врожденной тонкости, склонности к фантазии, изяществу, отличающему пластику его моделей. Этим и было обусловлено желание выполнить в качестве дипломной работы модели нарядной одежды. Однако за ним закрепили другое задание – женский деловой костюм. С ним он справился превосходно, получив высший балл.
В 1962 году, окончив с отличием Московский текстильный институт, Зайцев по распределению попал на Экспериментально-техническую швейную фабрику Мособлсовнархоза в городе Бабушкине и был назначен ее художественным руководителем. Опережая свое время, модельер уже в самом начале деятельности создал коллекцию спецодежды для работниц области и села. Очень смелая по меркам тех лет, использующая элементы народного искусства в крое и цветовом решении, она разрушала стереотип представления об облике женщин-тружениц, но после бурного обсуждения, к сожалению, была отвергнута методическим советом. Зато вскоре ее опубликовал журнал «Пари матч» со статьей «Он диктует моду Москве».
Спустя 3 года, в 1965 году, автора коллекции, так и не увидевшей свет, по этой статье разыскали Пьер Карден и Марк Боан («Диор»). За время, предшествовавшее встрече, Вячеслав Зайцев сумел проявить себя настолько убедительно в создании модной женской одежды для торговой сети столицы и области, что был приглашен на должность художественного руководителя экспериментально-технического цеха Общесоюзного Дома моделей одежды на Кузнецком мосту в Москве. Ознакомившись с творчеством своего молодого коллеги, известные парижские кутюрье, в том числе и присутствовавший на встрече Ги Лярош, признали в нем профессионала. Результатом этого знакомства стала статья «Короли моды» в газете «Women Wear Daily» («Женская повседневная одежда»). Однако «равным среди равных», как называют себя избранные мастера моды мира, принадлежащие к «Мезон де кутюр» в Париже, Зайцев стал почти через четверть века, в год своего 50-летия. До 1986 года он был лишен возможности выезда в капиталистические страны.

В Доме моделей одежды Вячеслав Зайцев проработал 13 лет, завершив там свою карьеру в качестве заместителя художественного руководителя. За это время им была проделана огромная работа по созданию направляющих сезонных коллекций одежды для домов моды и предприятий легкой промышленности СССР и стран СЭВ. Она выполнялась систематически совместно с группой ведущих художников под руководством модельера, и в ней учитывалось множество задач и объективных условий: уровень отечественной промышленности, качество тканей, климатические особенности регионов, возрастные категории потребителей.
В тот же период проходила успешная творческая работа Зайцева над созданием авторских моделей. Это демонстрация знаменитой «Русской серии» (1965–1968), а также коллекции по русским народным мотивам из ивановских ситцев (1976) и иных предложений в составе сводных коллекций Дома моделей одежды в США, Канаде, Японии, Франции, Югославии, Италии и многих других странах. Но эти показы, принципиально важные для творческой деятельности художника, всегда проходили без его участия. В 1967 году Зайцев получил Гран-при за платье под девизом «Россия» на Всемирном фестивале моды в Москве.
Именно в этот период Вячеслав Зайцев начал восприниматься на Западе как лидер советской моды, его высокий авторитет выразился в присвоенном ему в западной прессе своеобразном титуле «Красный Диор», которое подчеркивало органическую связь уникального искусства модельера с лучшими традициями мировой моды. В 1974 году в «Обзоре моды за 100 лет» по версии чехословацкого журнала «Кветы» Вячеслав Зайцев занял место в галерее портретов выдающихся художников мира моды вместе с такими именами, как Фредерик Ворт, Поль Пуаре, Габриель Шанель, Кристиан Диор. Очень требовательный к себе и не удовлетворенный результатами труда в Доме моделей одежды, Зайцев расстается с работой, которой отдал долгие годы. И это несмотря на длительные усилия возглавляемых им художников по соединению моды с жизнью. Доводы Зайцева просты: при сложившейся системе многоступенчатых советов, государственного стандарта и отсутствии индустрии моды в моделях искажается авторский замысел и они устаревают в производстве, еще не дойдя до потребителя. Поэтому и труд модельера малоэффективен, а лозунг «Оденем всех!» превратился в пустую формальность.
Вячеслав Зайцев четко представлял профессиональные цели и отстаивал свою позицию на практике, подготавливая почву для восприятия моды как эстетической части окружающей среды. Будучи по натуре активным пропагандистом, он отдал много сил, борясь с непониманием роли художника в жизни общества, занимался просветительством, приобщал людей к эстетике одежды, писал, выступал, устраивал показы моделей в больших аудиториях, привлекая всеобщее внимание к проблемам моды. Еще на рубеже 1970-х годов складывались те принципы деятельности модельера, которые хотя и не скоро, но принесли свои очевидные плоды.
Не просто утверждало себя и его искусство. Еще в 1969 году после просмотра моделей женской одежды Зайцева из тканей американской фирмы «Селаниз» в Музее современного искусства в Нью-Йорке, который проходил, как и всегда в те годы, без участия автора, американская сторона предложила открыть модные магазины художника во всех странах мира. Но это предложение было отвергнуто чиновниками, хотя и многие другие проекты мастера находили поддержку за рубежом. Например, в 1976 году известная чехословацкая фирма «Яблонекс» приняла его авторскую работу – эскизы бижутерии, связывая их осуществление с украшением его же направляющих коллекций. Следствием этого явились персональные выставки Зайцева в Яблонце, Брно и Карловых Варах.
Многостороннее дарование художника позволяло ему развивать творческий поиск в разных направлениях. К 1970-м годам его искусство достигает высокой концентрации творческих возможностей и, синтезируя в себе разнообразные интересы мастера, выявляет в каждой модели неповторимый, уникальный почерк автора. С 1970 года начинается исключительно плодотворное сотрудничество модельера со многими популярными артистами театра и эстрады. Среди них в разные годы – Муслим Магомаев, Иосиф Кобзон, Тамара Синявская, Эдита Пьеха, Александра Стрельченко, Людмила Зыкина, Алла Пугачева, Филипп Киркоров, Юлиан, ансамбли «Гайя», «Машина времени», «На-на» и др.
Покинув Дом моделей одежды на Кузнецком мосту, Вячеслав Зайцев в скором времени переходит на фабрику индпошива № 19, где начинает работу над ассортиментом вновь открываемого Дома моды на проспекте Мира, художественным руководителем которого становится в 1982 году. В 1988 году на общем собрании трудового коллектива его единогласно избирают директором. В этот период главной целью Зайцева является спасение моды от подчинения городской службе быта и отстаивание ее интересов и перспектив как самостоятельной области искусства. Став первым в стране Домом моды европейского типа, он впоследствии получит имя своего основателя – выдающегося модельера Славы Зайцева (имя Вячеслав в связи с трудностью произношения на Западе в конце 1980-х годов сокращено самим художником). Именно здесь, с 1982 года и по сей день, мастер создает известные далеко за пределами нашей страны авторские коллекции моделей прет-а-порте и от кутюр, постоянно занимаясь поиском стиля своей фирмы – того стиля, который отличает и делает узнаваемыми любые изделия художника.
В Доме моды на проспекте Мира в Москве в 1982 году Слава Зайцев создает первый в стране профессиональный Театр моды. Такая действенная форма демонстрации позволяет ему не только апробировать на публике свои модели, но и наиболее выигрышно показать их в отдельных спектаклях, объединенных общим режиссерским и драматургическим замыслом, а также музыкальным сопровождением. Театр успешно гастролирует по всему миру. Дом моды Зайцева давно перерос свое первоначальное назначение – по существу он является центром моды России. В 1996 году Вячеслав Зайцев избран президентом ОАО «Московский Дом Моды Вячеслава Зайцева». Под руководством известного модельера работают Лаборатория моды (фактически аспирантура для наиболее перспективных молодых модельеров с высшим профессиональным образованием) и Агентство моделей, воспитывающее демонстраторов одежды. Гастроли театра проходят в Германии, Бразилии, Японии, США, Чехословакии, Австрии, Франции, Италии, Китае, Израиле и других странах. В 2001 году представлена большая коллекция моделей на выставке «Мода в театре и Театр моды» – совместный проект с музеем Большого театра.
Еще в 1980 году Вячеслав Зайцев принял участие в Международном симпозиуме моды в Болгарии (София), где выступил в качестве сопредседателя форума совместно с Пьером Карденом. Но показы его моделей в Югославии (Загреб, промышленная выставка СССР, 1984) и в Японии (Цикуба, Всемирная выставка Экспо-85) прошли без участия автора. Первый выезд модельера в капиталистическую страну состоялся лишь в 1986 году для показа смешанной коллекции в период Дней культуры советского павильона на Всемирной выставке средств продвижения в Канаде (Ванкувер). В том же году Зайцев совместно с Театром моды едет в Польшу, где посещает Варшаву и другие города, а также присутствует на открытии устного журнала «Легницкие встречи» (Легница). В 1987 году состоялись его поездки в Финляндию (Национальная выставка СССР), Индию (Дели), США (показ направляющей модной коллекции из 120 моделей в рамках лицензионного соглашения с фирмой «Интерторг»), ФРГ (показ «русской коллекции по приглашению фирмы «Саламандра», Неделя моды). В 1991 году Вячеслав Зайцев наряду с другими известными модельерами мира принял участие в международном гала-шоу «Единая Германия».
В числе наиболее известных коллекций мастера – «1000-летие Крещения Руси» (1987–1988, Нью-Йорк, Париж), «Русские сезоны в Париже» (1988, Париж), коллекция моделей одежды из европейских тканей (1988, Мюнхен), коллекция моделей мужской моды (1989, Неделя мужской моды во Флоренции), коллекция моделей женской одежды из отечественных тканей (1990, саммит «Пять выдающихся художников моды мира», Токио). В Москве, России и ближнем зарубежье показаны коллекции: «Агония перестройки» (1990–1991), «Ностальгия по красоте» (1992–1993), «Грезы» (1993–1994) «Воспоминание о будущем» (1994–1995), «Пробуждение» (1995–1996), «Чума» (1995–1996) «Как молоды мы будем» (1996–1997), «Соблазн» (1997), «Событие» (1997–1998), «Листая памяти страницы» (1998–1999), «Прозрение» – первая коллекция из меха в России (1999), коллекция прет-а-порте и от кутюр сезона весна-лето 2000–2001 (1999). В 1992 году французская фирма «Л’Ореаль» провела презентацию в Париже духов Славы Зайцева «Маруся» («Maroussia»). Модели из коллекции «Как молоды мы будем» приобретены Музеем истории Москвы.
Вячеслав Зайцев – инициатор и патрон многочисленных и в основном ежегодных конкурсов, проходящих в Москве и других городах и регионах. Это – «Текстильный салон» в Иванове (с 1993), конкурс профессиональных модельеров имени Надежды Ламановой
(с 1994), «Золотая игла» (с 1994), «Экзерсис»
(с 1994), «Талант» (с 1993 г. в Иваново), «Бархатные сезоны» в Сочи (с 1997), Неделя показа коллекций «Модельеры Москвы – москвичам» (с 1997), фестиваль мужской одежды ко Дню Георгия Победоносца (с 1999). Во многих городах страны под его председательством проходят семинары, симпозиумы, фестивали.
Впервые посетив Париж по приглашению старейшины французских модельеров – мадам Карвен в 1988 году, Зайцев добился огромного успеха, демонстрируя «Русские сезоны в Париже» в Театре Мариньи, и получил право показа своих коллекций в сезонах от кутюр, т. е. становится «равным среди равных». Тогда же по инициативе мэра Парижа Жака Ширака Зайцеву вручают медаль и диплом почетного гражданина Парижа (почетным гражданином своего родного города Иваново он станет значительно позже – в 1996 г.).
В марте 1988 года Слава Зайцев – почетный гость от «Мезон де кутюр» на Неделе моды в Мюнхене (ФРГ), где состоялся показ его новой коллекции из европейских тканей, кожи и дубленок, выполненных по эскизам модельера в Турции. В этом же году состоялись поездки в Болгарию (Пловдив, участие в 4-м Международном фестивале моды в качестве члена жюри), Берлин (ГДР, участие в Международном показе моделей одежды), Австралию (о. Брисбене, участие во Всемирной выставке Экспо-88, показ совместной коллекции Вячеслава и Егора Зайцевых – представил Егор Зайцев), Париж (второй показ совместно с мадам Карвен в Париже – Музей моды «Галера»). В 1988 году Зайцев выполняет костюмы для солистов одного из бродвейских театров, который поставил мюзикл на музыку Дюка Эллингтона «Софистикейтед лейдиз».
1989 год – необычайно плодотворный для талантливого художника. В феврале он посещает Международную ярмарку одежды в Швеции (Стокгольм), а в марте «Мезон де кутюр» провозглашает Славу Зайцева Человеком года в Моде мира. В марте-апреле Зайцев ведет переговоры с текстильной фирмой «Марзотто» (Рим) и в качестве почетного гостя принимает участие в Международной ярмарке «Идеокомо» (Италия). Затем Вячеслав Зайцев выступает сопредседателем жюри на фестивале «Ночь моды» и участвует в семинаре по искусству и моде, организованном французской парфюмерной фирмой «Л’Ореаль» (Париж), демонстрирует коллекции мужской и женской одежды на открытии Международного показа мужской одежды в Италии (Флоренция) и одерживает победу в саммите «Пять лучших модельеров мира» в Токио, участниками которого вместе с ним были известные модельеры из Франции, Италии, США и Японии.
С этих пор Слава Зайцев постоянно участвует в международных смотрах моды, председательствуя или будучи членом жюри. Благодаря его мастерству отечественная мода органично вошла в международное русло, являясь по своей природе интернациональным искусством.
Все средства, которые использует Зайцев в творческом процессе, направлены на создание образа современного человека и проникнуты поиском идеала красоты, который он утверждает в каждой своей работе – равно в прет-а-порте или от кутюр, где искусство художника приобретает подлинную свободу. Широта интересов автора, постоянная способность к поиску, глубокое восприятие многообразия выразительных средств мирового искусства и его наследия положительно сказываются на творчестве мастера. В силуэте, всегда красиво нарисованном, в изящных линиях и пропорциях, выявляющих конструктивную мысль, видится большой художник, создающий пластику – форму модели. Цветовые решения и нюансировка деталей гармоничны, они свидетельствуют о необычайном живописном даре и нередко об органичном наследовании колористических традиций старых русских мастеров и цветового строя народного искусства.
Наряду с модой серьезное внимание Вячеслав Зайцев уделяет живописи и рисунку. Станковое искусство модельера не является подсобным средством моды – оно имеет самостоятельную художественную ценность. Высокоэстетическая пластика мастера выражает обобщенные философские понятия, ассоциации, а чаще всего чувства, настроения и ощущения автора. Материалы, которым он отдает предпочтение, – пастель, карандаш, фломастер. Его произведения декоративны, звучны по цвету, ставят и успешно разрешают сложные смысловые и формальные задачи.
Персональные выставки Вячеслава Зайцева прошли в США (Сан-Франциско – галерея «Болз и Сорокко», Нью-Йорк, Лос-Анджелес, 1991–1993), в Бельгии (Берзель – галерея «Икат» и Кортрекс – участие в международной выставке «Классика-III», 1993–1994), Эстонии (Таллин – музей на Ратушной площади, 1986), где Зайцев продемонстрировал произведения станковой живописи, графики, художественной фотографии, дизайнерские решения и показ моделей. Широкую известность приобрели постоянная экспозиция станковых пастелей «Экзерсис» в студии художника в Москве и выставка «Императорская – Российская академия художеств». Пять живописных и графических произведений художника принадлежат Государственной Третьяковской галерее.
Значительную и многолетнюю область творческой деятельности Вячеслава Зайцева составляет театральный костюм, сценография и театральный плакат. Еще в 1982 году он едет на гастроли в Германию вместе с театром «Современник» в качестве художника по костюмам к спектаклю «Вишневый сад». В последующие годы Зайцев создал сценические костюмы для многих спектаклей столичных театров. Это постановки Театра сатиры («Безумный день, или Женитьба Фигаро», «Ее превосходительство»), МХАТа («Последние», «Эта странная миссис Сэвидж», «Все кончено»), Театра имени Евг. Вахтангова («Принцесса Турандот», «Мартовские иды», «Ричард III»), Театра имени Моссовета («Сердце Луиджи»), «Современник» («Три сестры», «Вишневый сад», «Анфиса», «Лоренцаччо», «Кто боится Вирджинии Вульф»), «Ромэн» («Здравствуй, Пушкин», «Мы цыгане»). Модельером выполнены костюмы к ряду спектаклей театров других городов, в том числе для Театра балета Б.Я. Эйфмана в Санкт-Петербурге. Долгая работа в театре по созданию костюмов сблизила художника со многими выдающимися актерами, среди которых Мария Бабанова, Любовь Орлова, Ангелина Степанова, Марк Прудкин, Михаил Ульянов, Владимир Зельдин, Вера Васильева, Юлия Борисова, Людмила Максакова, Марианна и Анастасия Вертинские, Татьяна Лаврова, Галина Волчек, Марина Неелова, Алиса Фрейндлих и многие другие. Как художник костюмов модельер принимал участие в постановке фильмов на студиях «Мосфильм» и имени Горького – «Фокусник», «Держись за облака», «Здравствуй, цирк», «Безымянная звезда».
На протяжении многих лет Вячеслав Зайцев «одевает» советских и российских спортсменов. Среди них – чемпионы мира по фигурному катанию Л. Пахомова и А. Горшков, И. Моисеева и А. Миненков, Н. Бестемьянова и А. Букин. Он разрабатывал костюмы для членов советских спортивных делегаций (в частности, на Олимпиаде-80), создал новую униформу для советской милиции.
Еще одно увлечение мастера – фотоживопись. Художественная авторская фотография – изобретение Зайцева. Она помогает осмыслению костюма на наиболее подходящей по типажу модели, помещенной автором в специально созданный интерьер.
Вячеслав Михайлович – одновременно практик и теоретик. Ему принадлежат две книги – бестселлеры 1980-х годов: «Такая изменчивая мода» («Молодая гвардия», 1980) и «Этот многоликий мир моды» («Советская Россия», 1980). В 1983 году книги переизданы в Болгарии и Чехословакии, а в 1992 году в издательстве АПН «Новости» вышла книга на английском языке о жизни и творчестве художника «Ностальгия по красоте» (Л. Яралова). В том же 1992 году издательством «Имидж» выпущен альбом стихов и графики Зайцева «Я всем обязан Провиденью», который свидетельствует об истинном многообразии таланта этого удивительно одаренного человека.
Кроме того, Зайцев является автором сотен статей, посвященных моде и ее актуальной проблематике, ведет постоянную рубрику на страницах газеты «Труд», еженедельные передачи на радио, постоянно участвует в многочисленных телепередачах.
Еще в 1979 году Вячеслав Михайлович Зайцев начал преподавательскую деятельность в качестве доцента, а позднее профессора (1992–1996) кафедры моделирования одежды факультета прикладного искусства Московского технологического института (ныне Академия сферы быта и услуг). С 1995 года он – действительный член Российской академии гуманитарных наук и искусств, с 2001 года – член-корреспондент Российской академии художеств, с 2002 года – доктор искусств, с 2004 года – почетный доктор МГТУ имени А.Н. Косыгина. Почетный академик Российской академии ювелирного искусства (2002).
И все-таки мода – ведущая область искусства мастера, его творческая судьба. Он удостоен на этом поприще многочисленных отечественных и зарубежных наград, которые утверждают его имя в числе выдающихся представителей этой области искусства.
Вячеслав Зайцев – лауреат Государственной премии РФ (1996), лауреат премии Президента Российской Федерации в области литературы и искусства (2004), заслуженный деятель искусств РФ (1991), почетный работник текстильной и легкой промышленности (2002). Он награжден орденами «За заслуги перед Отечеством» IV степени (1998), «Знак Почета» (1980), Святого Константина Великого – от Дворянского собрания (1996), Константиновским орденом Святого Георгия (2002), медалью «За трудовую доблесть» (1973). Ему присвоены титулы почетного гражданина Парижа с вручением позолоченной медали и диплома мэрии и почетного гражданина своего родного города Иваново.
Творчество модельера отмечено также серебряной и золотой медалями ВДНХ СССР (1974, 1983), первым призом «Золотой манекен» на Неделе высокой моды в Москве (1995) и призом «Серебряное веретено с золотой нитью» на Неделе российской моды в Сочи (1995), национальной премией «Овация», которой Зайцев был отмечен как лучший модельер 1994 года (1995), золотой Пушкинской медалью, посвященной 200-летию со дня рождения поэта (за вклад в развитие, сохранение и преумножение традиций отечественной культуры, оказание постоянной помощи и поддержки творческой интеллигенции, развитие и становление новых стилей и направлений в искусстве, 1999), премией «Российский национальный Олимп» в номинации почетный титул – «Супер звезда» (2002), почетный знак «За заслуги в развитии дизайна» (2003), Международной премией ордена «Слава России» (2003), национальной премией «Лучший из лучших» (2004).
Живет и работает в Москве.

Коллекция, показанная на неделе моды Мерседес Бенз в Москве 21 октября 2011



















Официальный сайт

В детстве люди мечтают о самых необыкновенных профессиях. Маленький Сальваторе Феррагамо из итальянской деревушки Бенито, что в провинции Ирпения, мечтал быть сапожником, но не простым, а самым лучшим в мире. Сальваторе Феррагамо родился в конце позапрошлого века в итальянской деревне, на земле, где все умеют шить обувь.
К этой славной деятельности он готовился чуть не с пеленок и уже в восемь лет неплохо управлялся с молотком, дратвой и сапожным ножом.
Учиться ремеслу Сальваторе Феррагамо начал в Неаполе в лучшей сапожной мастерской города. Затем карьера мальчика начинает развиваться бурно и непредсказуемо.
В 8 лет он сшил первые ботинки, в 12 - открыл свою обувную мастерскую, в 15 - уехал в США, куда давно звали эмигрировавшие много лет назад старшие братья. Они, к тому же, держали обувной магазин в Санта-Барбаре. Младшего братишку назначили продавцом, но при этом не препятствовали его деятельности в обувной мастерской, принадлежавшей магазину. Именно в этих, пропахших сапожным клеем, комнатушках Сальваторе Феррагамо отшлифовал свой талант и развил нестандартные идеи относительно обуви. Как пушкинский Сальери, которого в жизни интересовала только музыка, Феррагамо смотрел на любое изменение в моде и технологии, прежде всего в аспекте совершенствования обуви.
В своих позже изданных мемуарах "Сапожник мечты" он писал: "Я родился, чтобы быть сапожником. Наверное, я им был в предыдущих жизнях". Этому мистическому утверждению вполне можно поверить, поскольку основным кредо Феррагамо было: обувь нужно делать только вручную. "Я никогда не видел хорошей пары обуви, сделанной на машине. Она слишком индивидуальна". Его мечтой было создание для каждого человека именно ему принадлежавшей пары обуви, которая обнимала бы ногу с нежностью шелка, и в которой он чувствовал бы себя только хорошо. К сожалению, подобной обувью все человечество он облагодетельствовать не мог, но конкретные заказчики были в восторге.

Его называли колдуном, а его обувь ходячей скульптурой. Это действительно был сапожник милостью божьей, умевший создавать комфорт даже самой корявой и деформированной ноге. Такой явный и слишком многим необходимый талант был быстро замечен в Санта-Барбаре, а затем в находящемся недалеко от нее Голливуде. Создатели фильмов стали захаживать в магазин братьев Феррагамо вначале за интересными моделями, а затем делать заказы. Однажды режиссер Сесиль де Милль заказал 100 пар ковбойских сапог для очередного боевика. Феррагамо сделал такие сапоги, что с ним подписали контракт на изготовление обуви для всего фильма, а в 1923 году пригласили в Лос-Анджелес уже как обувщика кинозвезд. Он делал обувь для Глории Свенсон и Марлен Дитрих. Это Феррагамо изобрел "плоские" туфли для Греты Гарбо, каблук "стилет" для Мэрилин Монро, а для 155-сантиметровой Кармен Миранды - туфли на платформе. Мода на короткие юбки была выигрышной для таланта обувщиков. И фантазия Феррагамо разыгрывается вовсю. Он не просто улучшает традиционные конструкции, но и создает новые. Это с его легкой руки появились знаменитые каблуки "танкетки" и еще масса клиновидных каблуков, каблуки в духе XYIII века, сдвинутые почти к своду стопы, каблуки в форме "катушки".
Он произвел революцию в ортопедической обуви, вернув многим несчастным способность ходить без палок и костылей. Не довольствуясь только техническими усовершенствованиями, Сальваторе Феррагамо работал с обувью так, как маэстро "от кутюр" работает с одеждой. Он делал туфли, украшенные алмазами, жемчугом, золотым и серебряным шитьем, стразами и вставками из кусочков зеркал, отделывал кружевом, вытачивал каблуки из всего, что только годится для их изготовления. Его туфли снабжались подкладками из шкур леопарда, питона, кенгуру и антилопы. А когда наскучили драгоценности, в ход пошли раковины, рыбья чешуя и морские водоросли, перья колибри и страуса.

"Сапожник не должен ни в чем себя ограничивать",- такое мог сказать именно мастер "высокой моды". Феррагамо считал, что учиться нужно постоянно. Будучи первым обувщиком Голливуда, он, как обычный студент, посещает уроки анатомии в местном университете, где особенно тщательно изучает анатомию ноги и стопы. Это прилежание дает неожиданные плоды.
Однажды к Феррагамо явилась дама под густой вуалью и явно "восточного" происхождения. Не открывая лица, она попросила взглянуть на ее ногу. Нога оказалась на редкость уродливой, тем не менее, загадочная дама заказала туфли на высоком каблуке-модные, но смоделированные таким образом, чтобы дефекты стопы были незаметны, а сама она чувствовала бы себя в этой паре удобно. Словом, задание на уровне тех, которые в сказках давали капризные принцессы женихам. Терпеть обмеры и ждать она соглашалась достаточно долго. Через неделю с небольшим незнакомка получила именно такие туфли, и тогда ее инкогнито раскрылось. Это оказалась жена весьма состоятельного индийского магараджи. Для нее он затем сделал серию обуви, которая и сегодня у обувщиков носит название "стиль магараджи".
Оплата за работу оказалась адекватной сложности задания, и Феррагамо, прибавив эту сумму к прежним сбережениям, получил возможность попытаться осуществить еще одну свою мечту: создать в Италии сеть мастерских по производству обуви вручную. Для этой цели он вернулся на родину в 1928 году и организовал во Флоренции несколько подобных мастерских со штатом в 60 человек. Но гениальный сапожник отнюдь не был финансовым и административным гением. Собственные промахи, высокие налоги, девальвация доллара уже в 1929 году привели его к разорению, а в 1933 году его предприятие объявили банкротом. Возможно, Феррагамо опустил бы руки и вернулся к работе над индивидуальными заказами богатых клиентов. Но за его спиной стояли люди, которые, несмотря на крах первой попытки, готовы были начать все сначала. И через три года Феррагамо снова обосновался на итальянском обувном рынке.
Но тут началась война. Лучшее сырье шло на обмундирование для армии, а для "гражданских" сапожников настали времена лютого дефицита. Но это только подтолкнуло фантазию Феррагамо. Нет подошвенной кожи? Сделаем подошвы и каблуки из коры пробкового дуба! Даже на черном рынке не достанешь хорошего шевро? Союзки можно делать из плетеного в изящные сеточки целлофана, вернуться к старинной технологии обуви из текстиля! Бедствия войны неожиданно пробудили в Феррагамо такую финансовую изворотливость, что после ее окончания он приобрел два заброшенных дворца времен раннего Возрождения в Вероне и Флоренции, где создал мастерские со штатом в 43 человека. А сохранившиеся старинные фрески на стенах придавали обычной сапожной мастерской неповторимый романтически-загадочный вид. В такой обстановке Сальваторе Феррагамо принимал своих заказчиц: Софи Лорен, Сильвану Мангано, Одри Хепберн, Джину Лоллобриджиду, Ингрид Бергман.

Вообще, квалификации и организации труда в мастерских Феррагамо можно только удивляться. Двадцать с небольшим человек за день производили до 200 пар обуви, и не какой-нибудь, а строго индивидуальной и часто со сложным декором. Но кроме конкретных заказов, Феррагамо находит время и для собственного творчества. Однажды (было это в 1947 году) он встретил на берегу реки Арно рыболова, и поинтересовался, не боится ли тот, что тоненькая леска быстро порвется? "Это нейлон,-равнодушно бросил рыболов, - не порвется". Тогда, почти на манер Архимеда с криком: "Как же это мне раньше в голову не приходило?!", Сальваторе Феррагамо помчался в мастерскую и за ночь придумал и сделал "невидимую" обувь из прозрачной нейлоновой сетки на оригинальном клиновидном каблуке. За эту модель он получил премию Неймана и Маркуса, которая в мире обуви приравнивается кинематографическому Оскару. Первую идею Феррагамо затем развил в серию моделей с союзкой из тонкой плетеной сетки, которая сегодня считается классикой летней обуви.

В самой знаменитой киносцене столетия Мэрилин Монро, пытающаяся удержать непристойно раздуваемую ветром юбку, обута в туфли от Феррагамо.
Феррагамо обувал великих женщин, великие женщины обожали Феррагамо. Мэрилин любила одиннадцатисантиметровые шпильки, Одри Хепберн - простые балетки, Джуди Гарланд - фантасмагорические "платформы"... И к каждой приме великий мастер находил свой подход. Так родились уникальные шелковые туфли Софи Лорен, бархатные лодочки Монро, золотые босоножки бразильской танцовщицы Кармен Миранда, изготовленные в 1936 году. И футуристические босоножки Джуди Гарланд, и "невидимые" босоножки из лески - лауреаты "Оскара".
Правильная обувь поддерживает свод стопы так, как если бы ее обхватить рукой; ни один палец не должен упираться в носочную часть обуви. Вы должны чувствовать себя комфортно десять секунд спустя после того, как наденете новые туфли, утверждал знаменитый сапожник.
Пола Негри и Мэри Пикфорд, Рудольф Валентино и Глория Свенсон были его постоянными клиентами. Чтобы делать совершенную обувь, он выучился анатомии и математике. Он был первым, кто сделал туфли на каблуках удобными в носке. Он изобрел танкетку.
Случилось это благодаря Бенито Муссолини. В 1936 году, когда Феррагамо работал во Флоренции, началась эфиопская кампания. Вся высококачественная сталь, из которой мастер привык изготавливать супинаторы, была реквизирована для военных нужд. Супинаторы стали ломаться, каблуки - шататься, и дамы приносили туфли обратно, Феррагамо их чинил снова и снова, но видел, что это замкнутый круг. И тогда он решил заполнить пространство между пяткой и носочной частью пробковым деревом с Сардинии. Туфли выглядели странно и необычно. Осталось найти даму, которая примерит их первой.

Дама ахнула: "Синьор Феррагамо, я никогда их не надену, они ужасны!" Танкетки стали сенсацией, мода на них обошла весь мир.

Среди изобретений Феррагамо - сандалии на завязках в древнеримском стиле, сделанные им для голливудского фильма в 20-е годы. Прежде женщины не представляли, как можно прилюдно обнажить ступню. И надели сандалии лишь после того, как настоящая индийская принцесса, для которой было привычно показывать ноги, появилась в них на светском рауте, о чем немедленно написали газеты. Именно Феррагамо первым начал экспериментировать со шкурами экзотических животных и рыбьей кожей. Феррагамо придумал открытые туфли с разноцветными вкладками и каблук-клетку, состоящий из прутьев.
Однажды к Феррагамо пришла богатая дама и, прождав маэстро несколько часов, попросила его разуться и снять носки. Убедившись, что ступни самого мастера в идеальном порядке, она сняла туфли и попросила его сшить ей пару ботинок.
Работать со звездами было непросто, однако Феррагамо удавалось помнить все привычки и капризы знатных особ. Так, графиня Виндзорская никогда не надевала новинок, а заказывала себе во множестве одинаковые туфли из белого атласа, чтобы красить их в тон платьям. Марлен Дитрих надевала каждую пару туфель лишь два раза. Для первой леди Аргентины Эвиты Перон Феррагамо сочинял самые безумные туфли за самые безумные деньги. Любовница Муссолини Клара Петаччи соревновалась в обувной страсти с Эвитой. После ее казни в ателье Феррагамо осталось полсотни заказанных и неоплаченных пар. Грету Гарбо он научил носить каблук и сшил ей 70 пар туфель.
Феррагамо приходилось обувать даже Еву Браун, за что его позже обвинили в симпатиях к нацизму. Но его интересовали только ноги и туфли.
В попытке лучше понять своих клиенток мастер разделил их на Золушек, Венер и Аристократок. Вероятно, это была первая в мире подобная классификация. Золушки с ножкой меньше 6-го (36-го размера), утверждал мастер, женственны, к тому же большие любительницы мехов и драгоценностей, Венеры красивы, обаятельны, изысканны и противоречивы, Аристократки с 38-м размером чувствительны и благородны.
Золушками были Мэри Пикфорд и Джина Лоллобриджида, Эвита Перон и Ава Гарднер. Венерами - Рита Хэйворт и Анна Павлова, Ева Браун и королева Елизавета. Аристократками - Одри и Кэтрин Хепберн, Грета Гарбо, Ингрид Бергман и Лорен Бэкол.
На самой знаменитой фотографии, сделанной в 1955 году, Феррагамо сидит в окружении колодок из дерева, подписанных именами легендарных звезд Голливуда.

Незадолго до своей смерти в 1960 году Феррагамо успел написать автобиографию, которую назвал "Сапожник мечты". После кончины Феррагамо компания осталась семейным предприятием и все так же обувала Голливуд: Мадонну в роли Эвиты, Дрю Бэрримор в роли Золушки, китайскую актрису Жанг Зийи в фильме "Крадущийся дракон", Бриджит Бардо, Джулию Робертс и Мерил Стрип. Великое дело великого мастера требовало громкого продолжения…

Сальваторе Феррагамо умер в 1960 году в возрасте 63 лет. Сыновья не только продолжили дело отца, но сегодня возглавляют фирму "Сальваторе Феррагамо", которая более занимается одеждой "прет-а-порте", нежели обувью. Но имя великого сапожника отнюдь не забыто. Во Флоренции есть музей Сальваторе Феррагамо. Гениальный дизайнер, страстный исследователь и неутомимый экспериментатор Феррагамо за долгие годы своего творчества, похоже, успел поработать во всех стилях, создать все мыслимые и немыслимые модели и попробовать в деле все материалы, предоставив своим последователям вспоминать "хорошо забытое старое". И сегодня, спустя полвека, многие его творения остаются актуальными.

Источники: 1
2
3

Биография и карьера

Её фамилия без сомнения знакома всем знатокам моды в мире, Prada – один из самых влиятельных Модных домов мира. Миучча – младшая внучка самого Марио Прада (Mario Prada), основателя компании, расчётливого и талантливого миллионера, сделавшего своё состояние на моде. Но сама девушка несколько отличается от старшего поколения семейства. Она родилась в совершенно другое время – когда стремительно ломались аристократические устои, а богема заполнялась промышленниками, способными своими деньгами открывать любые двери. Поэтому мировоззрение богатой девушки было совсем не таким, как у её предков.

Миучча закончила политический факультет. В дипломе о высшем образовании у неё значится такое интересное направление, как философия. Более того, она – доктор наук, добившийся всего исключительно своим трудом и усердием. А потом вдруг её жизнь кардинально меняется. Неожиданно будущий модельер подаётся в совершенно другую область и становится мимом. Пять лет она с успехом обучается этому  мастерству в Teatro Picco. В семидесятые годы она вступает в коммунистическую партию, становится борцом за права женщин. Ничто не предвещает того, что в скором времени она займётся бизнесом. Но творчество в её жизни всегда брало верх над рациональностью.

В 1978 году убеждённая коммунистка приходит на работу в компанию своего деда, занимающуюся созданием элитных кожаных сумок. Работа в этой люксовой области даёт ей богатый опыт, умение управлять коллективом и заниматься прочей административной деятельностью. Это время – эпоха развития Модного дела, когда компании, начинавшие как профильные, вдруг расширяли поле своей деятельности, пытаясь выбиться на другие рынки, и Миучча Прада в этом процессе приняла непосредственное участие. Примерно в то же время она знакомится с Патрицио Бертелли (Patrizio Bertelli), который сначала стал ее бизнес-партнером, а затем и мужем.

Сначала Миучча занималась, как и вся её семья, сумками. Первая коллекция вышла в 1985 году и была с восторгом принята покупателями. Точнее покупательницами, так как модельер разработала коллекцию дамских сумок из чёрного нейлона, которые ещё довольно долгое время считались законодателями моды. Но потом производство одного вида аксессуаров Миучче надоело. Поэтому следующим логичным шагом стал запуск собственной коллекции одежды.

В 1989 году модельер выпускает первую коллекцию повседневной женской одежды. Дебют Миуччи привлёк много внимания, и, хотя некоторые критики высказывались не слишком позитивно, называя его сыроватым, в общем и целом, в Миучче был замечен большой потенциал. Затем выходит уже куда более проработанная и успешная коллекция мужской одежды от Prada. Модный дом сворачивает с рельс производства сумок и расширяет ассортимент выпускаемой продукции. А модельер подходит к тому, чтобы создать собственный бренд. Prada слишком дорог, а потому не даёт пространства для манёвра, требует следования каким-то традициям, которые Миучча старательно нарушает каждой своей коллекцией.

Miu Miu

Так родился Miu Miu. На самом деле, название лейбла – просто прозвище основательницы, которое ей всегда нравилось. Случилось радостное событие в 1992 году, и первой коллекцией стала линия женских нарядов, которая поступила в продажу по вполне приемлемым ценам, что никак не подходило Prada. За первую коллекцию бренда Миучча в 1993 году была награждена премией от престижнейшей организации модной сферы Council of Fashion Designers of American International Award.

После первого показа, наделавшего столько шума, Miu Miu стал быстро расти. Начались показы в Лондоне и Нью-Йорке, продажи увеличивались с невероятной быстротой. Нельзя забывать, что одежда этой компании распространяется через сеть Prada, которая чрезвычайно велика.  Административной деятельностью ведает муж модельера, Патрицио Бертелли, умеющий заставлять приносить прибыль любые, даже самые творческие, обычно нежизнеспособные механизмы.

Miu Miu считается одним из популярнейших брендов на Западе, да и в Азии набирает популярность. В списке продаваемых Модным домом вещей присутствуют работы многих известных дизайнеров, таких как Аззедин Элайа (Azzedine Alaya), Фенди (Fendi), Хельмут Ланг (Helmut Lang) и многие другие.

Главными достоинствами Miu Miu являются свежесть, новизна, нестандартный взгляд на повседневную одежду, высочайшее качество, которое приближается к люксовому, современный стильный минимализм, как антоним современного же безвкусного увлечения кучей мелких, не сочетающихся друг с другом деталей. Prada сегодня имеет 250 магазинов в 65 странах мира, и везде можно найти продукцию младшего поколения этого семейства.

В 1995 году супруги основали Фонд Prada, посвященный современному искусству. Сегодня он является одним из самых значимых в Италии.

Официальный сайт: wwwmiumiu.com

Марка Escada стала известна благодаря её основателям - Вольфгангу и Маргарите Лей. Компания была названа в честь породы ирландских лошадей - быстрых, красивых, лёгких и сильных.
 
В 1979 году под этой маркой выходила спортивная одежда, а первая коллекция называлась «Спортивная элегантность». Успех компании был неожиданностью для всего общества - до открытия Escada никто в мире мод не производил демократичную одежду, лишь бывшая модель Маргарита Лей сделала ставку на доступность, а не на эксклюзивность. Отличительной чертой этой марки стали сочетание ярких цветов, яркие принты, объёмная броская вышивка. В 80-е годы яркие краски, движение, свобода были основными направлениями в мировой моде, что, возможно, и помогло задумке четы Лей сделать свои коллекции более успешными, чем кто-либо мог предсказать.

Маргарита Лей любила эксперименты, поэтому её одежда из трикотажа была более изысканной и нарядной, чем одежда из этого же материала других коллекций. За свои удачные находки она удостоилась награды «За совершенство дизайна» от Mohair Council. Успех послужил началу новой эры - Escada выпустила коллекции из кожи и кожаные принты, которые стали хитом тех лет и принесли дому Escada многомиллионную прибыль. В связи с потрясающим успехом в Европе, Escada была вынуждена увеличить штат дизайнеров. Каждый сезон они выпускали 12 разных коллекций, предназначенных для разных стран, разной погоды и разных предпочтений. К тому времени бутики и дочерние предприятия Escada находились во всей Европе, в Японии, США, Канаде и Великобритании.

Они стали проводниками в мир одежды класса «люкс» для миллионов людей. Такой имидж этой марке принесли потрясающие вечерние и коктейльные платья, которые были созданы из фирменных тканей, выполненных в фирменных цветах.

В 1980 году была выпущенная первая коллекция для деловых женщин, которая имела большой успех и позволила привлечь инвесторов для развития марки. Новые дочерние предприятия появлялись по всему миру, а новые коллекции приносили основателям марки всё новые и новые награды. В новых коллекциях были не только эксклюзивные наряды, но и модные аксессуары, ювелирные изделия. Одежду этой марки представляли самые знаменитые модели тех лет - Клаудиа Шиффер, Линда Евангелиста, Карен Малдер и многие другие. Реклама Escada красовалась в каждом европейском глянцевом журнале, что не могло не повлиять на спрос. Но в 1992 году Маргарита Лей умерла от рака, что повлекло за собой упадок компании и убытки.

В 1994 году креативным директором компании стал Брайан Ренни, который приложил все усилия для возрождения марки. Сдержанные тона и элегантные линии привели к новым серьёзным наградам и к тому, что знаменитая Ким Бессинджер выбрала платье от Escada для церемонии вручения Оскара. Кроме того, стали появляться знаменитые ароматы этой марки, которые остаются популярными и по сей день. Сейчас политика фирмы Escada несколько изменилась. Они создают одежду, аксессуары и ароматы, ориентированные на молодое поколение потребителей, детские и подростковые коллекции. Их задача воспитать подрастающее поколение в духе высокой моды, привить вкус к красивой и качественной одежде с самого раннего возраста. И это не могло и не отразиться на спросе изделий этой марки - новые коллекции имели успех по всему миру.
 
Сейчас компании Escada принадлежат более 50 магазинов по всему миру. Они создают элегантную одежду, которая отличается простым кроем, но не лишена украшений - вышивка, яркие принты, стразы - всё это встречается в нарядах этой марки. Сейчас модный дом Escada является одним из самых влиятельных в Европе. Она имеет не только признание критиков, но и миллионы поклонников по всему миру и, как многие надеются, большое будущее.

Немецкий дом моды Escada планирует выпускать более дешевую одежду. Кроме того, возможно появится и мужская одежда этой марки. Модный дом Escada намерен переориентировать свое основное направление деятельности, и хочет выпускать в первую очередь одежду для молодых женщин. Главное - одежда этой марки должна стать существенно дешевле. Быть богатым и открыто это демонстрировать - это больше не модно. Смена владельца открыла большие перспективы. Кроме того, не исключается и возможность разработки мужской линии одежды от Escada. Эта идея может достаточно быстро стать реальностью, учитывая то, что нынешний руководитель концерна ранее возглавлял компанию Hugo Boss.
 
Мегха Миттал - новая владелица Escada. В октябре концерн Escada приобрело семейство Миттал. Мегха Миттал, невестка сталелитейного магната Лакшми Миттала, самого богатого человека Индии и владельца крупнейшей в мире сталелитейной империи ArcelorMittal, намерена стать не просто номинальной владелицей модного бренда, а сделать из компании прибыльное предприятие. Покупка Escada - ее первое бизнес-предприятие, целью которого она видит сохранение традиций модного дома и гарантирование как его стабильного развития, так и всего мира моды Германии в целом, пишет агентство dpa. Сделка помогла сохранить 90 процентов рабочих мест в компании. Всего в Escada занято около двух тысяч сотрудников.

Парфюмерия Escada:

Женская парфюмерия

Absolutely Me 2010 для женщин
Chiffon Sorbet 1993 для женщин
Desire Me 2009 для женщин
Escada для женщин
Escada 2005 для женщин
Escada Acte 2 1995 для женщин
Escada Blue Romance 1995 для женщин
Escada Collection 1997 для женщин
Escada Collection 2001 для женщин
Escada en Fleurs 1997 для женщин
Escada Island Kiss 2011 для женщин
Escada Loving Bouquet 1999 для женщин
Escada Magnetic Beat 2003 для женщин
Escada Magnetism 2003 для женщин
Escada Margaretha Ley 1990 для женщин
Escada Marine Groove 2009 для женщин
Escada Moon Sparkle 2007 для женщин
Escada Rockin' Rio 2011 для женщин
Escada S 2007 для женщин
Escada Sentiment 2000 для женщин
Escada Sexy Graffiti 2011 для женщин
Especially Escada 2011 для женщин
Ibiza Hippie 2003 для женщин
Incredible Me 2008 для женщин
Into the Blue 2006 для женщин
Island Kiss 2004 для женщин
Jardin de Soleil 1996 для женщин
Lily Chic 2000 для женщин
Ocean Blue 1995 для женщин
Ocean Lounge 2008 для женщин
Pacific Paradise 2006 для женщин
Que Viva Escada 1997 для женщин
Rockin' Rio 2005 для женщин
Sexy Graffiti 2002 для женщин
Sunny Frutti 1998 для женщин
Sunset Heat 2007 для женщин
Taj Sunset 2011 для женщин
Tender Light 1999 для женщин
Tropical Punch 2001 для женщин
Un Ete En Provence 1994 для женщин

Мужская парфюмерия

Escada Casual Friday 1999
Escada Magnetism for Men 2004
Escada Moon Sparkle pour Homme 2007
Escada pour Homme 1993
Escada pour Homme Light Silver Edition 1997
Escada Sentiment pour Homme 2002

Унисекс парфюмерия

Escada Sport Country Weekend 1996 для женщин и мужчин
Escada Sport Feeling Free для женщин и мужчин
Escada Sport Sport Spirit 1996 для женщин и мужчин

Награды

«Лучший дизайнер спортивной одежды» (Best Designer Sportswear), 1986;
награда Парфюмерного фонда «Fragrance Foundation award», 1990;
в 1999 году основателю компании Вольфгангу Лею был присужден офицерский крест, орден первой степени «За заслуги» перед отчеством, Федеративной Республикой Германии.

Маргарет (Margarethe) и Вольфгангом Лей (Wolfgang Ley)

Источники:
FashionBank
2
Энциклопедия моды
Оф.сайт Escada